La segunda jornada de esta edición de la SEMINCI contó con una experimentada Deepa Mehta en el festival que nos trajo con Anatomy of violence una obra con la que retrata, de manera ficticia, un episodio real de violación múltiple a una joven de 23 años en 2012. La originalidad de la película reside en que el protagonismo no recae directamente en la víctima de la violación, sino que la narración sigue los pasos de los violadores, recreando sus posibles vidas desde su infancia (interpretada por los mismos actores adultos) hasta el momento de la violación. Los saltos en el espacio y en el tiempo de dichas vidas dan lugar a un dinamismo que, sumados a unos movimientos de cámara muy cercanos a las figuras humanas, acercan al espectador al devenir de los jóvenes. La distancia entre el espectador y la sucesión de los hechos es reducida a una fina línea. Esto produce un aumento de la sensibilidad ante los hechos, dando lugar a una película dura que retorcerá el estómago. No deja indiferente, en resumidas cuentas. La naturalidad con la que son reflejados los hechos tiene como objetivo desarrollar un análisis de la condición humana donde se reconoce que el hombre es un animal donde prima el instinto por encima de la razón y la moral. La intención de relatar las posibles vidas de los violadores previas al ataque, mostrando todo el pasado turbio que les lleva a desarrollar ciertos traumas y trastornos psicológicos, no tiene como fin destapar la raíz de sus males para justificar el crimen, sino mas bien hacer consciente al espectador que detrás de todo acontecimiento hay todo un mundo de emociones y problemas que llevan a actuar al hombre de una determinada forma, condicionándolo. Que detrás de un gran problema hay otro mayor y de raíces más profundas, nos está diciendo Mehta en resumidas cuentas. Todo ello hace de Anatomy of violence una obra cruda que ahonda en la psique humana y en las relaciones entre los hombres, difíciles en muchos casos, que desarrollamos en el tiempo. En Anatomy of violence todo es tabú, pero Deepa Mehta nos enseña que son realmente esos temas prohibidos los que hay que mostrar y estudiar para poder sanar errores en tiempos futuros.

Con El ciudadano ilustre, película seleccionada por Argentina para los Óscar, Mariano Cohn y Gastón Duprat vuelven a tratar el trillado tema del escritor borde, soberbio y amargado, presente en películas como Listen up Philip (Alex Ross Perry, EEUU, 2014) y que es refrescado en la propia vida real de más rabiosa actualidad con la aparente indiferencia que Bob Dylan está mostrando tras ser galardonado con el Premio Nobel de Literatura. El ciudadano ilustre narra la época madura de un escritor que, tras recibir el premio de la Academia sueca antes mencionado y con el que comienza la película, da muestras de negarse a recibir cualquier tipo de premio, así como a no solicitar ningún tipo de entrevista ni acudir a ninguna de las numerosas  invitaciones que estos afamados escritores se ven obligados a realizar habitualmente. Pero es una invitación a la ciudad natal del protagonista la que le mueve a dejar de lado ese aislamiento para reforzar su figura pública, regresando a su pueblo de Argentina para enfrentarse con toda la vida que allí dejó muchos años atrás. Los acontecimientos que se sucederán a partir de entonces buscarán sin éxito la explosión de la comedia, quedándose en meros momentos de un absurdo que fácilmente provocarán ese sentimiento de vergüenza ante el ridículo ajeno. Personajes esperpénticos poco definidos aparecerán en pantalla para enfrentarse con este escritor anodino, frío y de piedra. Más allá de esta superficie arrugada, los realizadores intentan ahondar en temas relativos al arte y la cultura, los cuales se quedarán en un mero discurso harto pedante y plagado de matices repetidos hasta la saciedad. El ciudadano ilustre, que no va más allá del llano entretenimiento (lo que se convierte en aspecto negativo cuando las intenciones de los directores parecen ser las de crear teoría sobre el arte y la literatura), no deja de ser una reiteración sobre temas muy vistos, pero sin apretar sus tuercas.

Una serie de seis estudiosos del cine, críticos y directores dieron lugar a una mesa redonda acerca de la figura de Kiarostami, director iraní recién fallecido y sobre el que se está realizando un ciclo dentro del propio festival. En ella se trataron temas tanto anecdóticos sobre el realizador (varios de los participantes eran amigos de Kiarostami) como trascendentes en relación a su cine. Guiada por Angélica Tamarro, la discusión sobre el iraní estuvo centrada en temas como la mirada, la intencionalidad de su cine, la búsqueda de la belleza, la síntesis entre lo ficcional y lo documental o la relación del cine de Kiarostami con el del italiano Rosselini. Esta mesa redonda estuvo marcada por cierto toque emocional y nostálgico, ya que Fernando Lara, presente entre los dialogantes y ex director de la SEMINCI, fue una de las personalidades que  introdujo la filmografía de Kiarostami en España. Y es que si suele creerse que la primera retrospectiva de su obra fue la de Locarno en 1995, fue en el 93 cuando  en Valladolid, en este mismo festival, tuvo lugar la primera gran retrospectiva del realizador, aunque ya años atrás se habían proyectado películas suyas en Gijón.

Abbas Kiarostami

Todas las aportaciones de esta mesa redonda estaban fundamentadas en el amplio conocimiento de los interlocutores, ampliando el campo de visión que la mayoría podemos tener sobre el director de Y la vida continúa, en gran medida por los comentarios de aquellos que le conocieron en persona y en profundidad.

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